Periodo clásico de la música
Comprende de los años 1740 a 1800 aproximadamente. Surge durante la Revolución francesa, es un periodo de rupturas, cambios, y sin embargo no refleja esto en su estética.
Esta corriente surge en base a los cambios que se presentaron con la Ilustración o el siglo de las luces, que fue un movimiento principalmente ideológico, dominado por la razón y el intelecto. Durante la Ilustración pensadores como Voltaire o Rousseau dan a conocer la idea de libertad, que rompió con el antiguo régimen y ayudó a su derrumbe con la Revolución Francesa.
En esa época Europa vivía bajo un régimen absolutista, desde hace tiempo los habitantes de Francia, sobre todo querían tener su libertad y dejar de depender de los monarcas, que gastaban demasiado dinero sin beneficiar a su propio pueblo y evidentemente Francia no adopto ninguna de las nuevas ideas propuestas por el movimiento cultural de ese momento que fue la Ilustración, que era un movimiento contra la monarquía.
El pueblo francés vivía en desigualdad, es decir, los ricos lo poseían todo y los trabajadores nada. Así mismo los privilegios sólo los poseía el alto clero y la nobleza. Cuando iniciaron las rebeliones algunos se dieron cuenta que se cuestionaba el papel de divinidad que le era conferido al monarca. Por ello el lema de la Revolución francesa, era: libertad, igualdad y fraternidad.
Que precisamente buscaba la reivindicación del pueblo francés y hacer a un lado el gobierno monárquico en que vivían, para así iniciar una nueva etapa de conocimiento y saber que trajo el movimiento de la Ilustración, y que gracias a él la cultura tuvo una expansión más amplia y salió de los grupos elitistas, generando así el regreso de las artes clásicas griegas, el periodo clásico.
Algunos de los mayores exponentes de este tiempo fueron:
- Christoph Willibald Gluck (1714 - 1787)
Fue un importante músico de origen alemán. Principalmente es muy reconocido por su reforma a la ópera italiana.
Para 1740 aproximadamente, era ya un buen compositor de ópera, lo que lo llevó a visitar París y Londres. Pero su mayor éxito llega en 1762, cuando ya casado escribe su obra Orfeo ed Euridice, donde combinó la sencillez y la belleza de las obras clásicas con el dramatismo, esta obra rompió con los estándares del Barroco y estableció las reglas para la nueva generación de escritores de ópera.
Principalmente la ópera del siglo XIX se inspiró en las obras de Gluck, que hoy en día es recordado como un revolucionario y un reformador. Sus principales obras fueron Orfeo ed Euridice, Aceste, Paride ed Elena, y Armide.
Análisis
La pieza inicia de una manera muy enérgica, me gusta la forma en que utiliza el diminuendo y el crescendo. Porque así le da un realce a la obra, es decir, que el ritmo sube y baja y no se estanca, por decirlo de algún modo. Transmite en partes una sensación de calma, cuando es el momento del diminuendo y gracias a las partes de crescendo, el autor logra transmitir una sensación de energía, de alegría.
Me gusta mucho cuando inicia la parte de ópera, porque el tono de la música cambia y se vuelve un tanto más sombrio y misterioso, le aporta drama a la obra, a mi percepción es como si se tratara de la muerte de uno de los personajes.
En la parte final, sentí nervios porque traté de imaginarme que pasaba con el personajes de la ópera, con el uso de los silencios Gluck hace que el oyente se pregunte qué es lo que pasa, es como una sensación de incertidumbre y misterio la que causa en mí esta pieza.
- Joseph Haydn (1732 - 1809)
Música Austriaco, nació en Rohrau ubicado al este de Australia. Es considerado uno de los tres representantes de la época clásica de Viena, junto con Mozart y Beethoven. De niño tenía una voz prodigiosa, y sus estudios los hizo en Hainburg y Viena , donde ingresó al coro del a catedral de San Esteban y perfeccionó sus conocimientos musicales.
Después de haber sido niño cantor en San Esteban de Viena, decide darle sus servicios al príncipe Paul Antón Estertázy y a su hermano Nicolás, con quienes se quedará treinta años y eso le brindará las facilidades para componer su música. Disponía de una de las mejores orquestas de Europa, para la que escribió la mayoría de sus obras orquestales, operísticas y religiosas.
Participiaba en la corte de Estartazy, que era un centro cultural, uno de los más importantes de Europa y donde semanalmente se llevaban a cabo conciertos musicales. Fue maestro de Beethoven, por lo que es muy conocido.
Su obra consta principalmente de 104 sinfonías, 70 cuartetos, numerosas obras para conjuntos de cámara, diversos conciertos para instrumento (trompeta, violonchelo, oboe y trompa) de música sacra y algunas sonatas para piano. Sus sinfonías inicialmente las escribía de tres movimientos, pero decidió convertirlas a cuatro. Algunas obras inéditas son: la mañana, Oxford, redoble de timbal, la sorpresa, los adioses.
Análisis
En el inicio la sinfonía comienza con un volumen muy bajo, y de repente da la sorpresa y suena algo estruendoso, y rápidamente vuelve a bajar el volumen. Los sonidos con volumen bajo y lentos producen esa sensación de serenidad, mientras que cuando sube rápidamente el volumen es como una expresión de emociones. Sin embargo en esta pieza puedo notar como una parte juguetona, que no había logrado escuchar la primera vez.
Y al final de la obra la rapidez y el volumen del os instrumentos ayudan a que se contagie el que lo escucha de fuerza, no tengo las palabras precisas para explicarlo, pero es una sensación de energía junto con templanza, y firmeza, que al mismo tiempo se mezcla con calma.
- Antonio Salieri (1750 - 1825)
Originario de Italia, nacipo en 1750 y murió en 1825, en Viena. En su tiempo fue uno del os compositores más apreciados, aunque en la actualidad es conocido por la rivalidad que sostuvo con Mozart, debido a la envidia que este le tenía por su creatividad y talento musical.
Salieri se educó en Venecia, y porteriormnete se trasladó a Viena, en 1766, aocmpañado de su maestro Leopold Gassmann, él fue quien le ayudó a entrar a la corte austriaca, en donde siempre se desarrolló como músico. Ahí, se relacionó con Gluck, Scarlatti, Metastasio y Calzabigi, y se dió a conocer como autor de óperas cómicas en la corte.
Algunos de sus más grandes éxitos fueron las óperas el deshollinador y las Danaides. Al principio se dio a conocer que había colaborador de Gluck, pero al ver el éxito obtenido y la cotización de nombre se declaró único autor de la obra y su nombre llegó a lo más alto de la fama.
Durante 1788 a 1824 desempeñó en la corte austriaca el papel de maestro de capilla, fue muy reconocido y tuvo muy buenos discípulos como: Beethoven, Schubert y Liszt.
Análisis
Algo que encuentro en común con las piezas anteriores es que en la parte inicial de la obra la música es muy tranquila, y relaja, y le ayuda a cumplir ese objetivo el volumen bajo que posee.
Me sucedió algo inesperado mientras escuchaba esta música, porque me provocó mucho sueño y la música clásica jamás me genera esa reacción. Pero de pronto el ritmo tiene una velocidad más rápida, como si se tratase de una persecución o de un momento crucial, que es reforzado junto con un crescendo.
Algo que también me parece interesante es que lo que percibo es el uso de contrapunto, no estoy segura, pero si mi percepción no me falla creo que son melodías distintas que se juntaron para crear una sola composición. Porque hay momentos en donde la música es fuerte y dramática, de pronto pasa a un modo juguetón, y luego a una velocidad tranquila y relajante.
- Wolfgang Amadeus Mozart (1756 - 1791)
Nació en Salzburgo. Su padre era un importante músico, pero Mozart desde pequeño demostró un gran talento inusual, que fue el que lo llevó a hacer gran cantidad de viajes para demostrar sus dones con la música. Al inicio su profesor fue su padre, pero son el tiempo y los viajes que realizaba tuvo contacto con unos de los mejores músicos del momento, lo que le ayudó a forjar su propio estilo y su padre le complementaba las enseñanzas.
Tuvo a los maestros más reconocidos en al ámbito musical, como a Johann Christian Bach, el menor de los hijos de Bach, que le enseñó durante su estancia en Londres. Mozart fue uno del os primeros músicos en mostrar la rebeldía e independecia de sus mecenas por lo que un tiempo quedó en bancarrota, pero su gran talento lo llevó al éxito.
Mozart construye sus sinfonías de cuatro movimientos, sin embargo los conciertos para solista y las sinfonía concertantes presentan tres movimientos. Su obra consta de cuarenta sinfonías, y 2 sinfonías para concierto, 27 conciertos para piano, 5 para violín, 4 para trompa, oboe, flauta, clarinete y fagot, etc.
Falleció en Viena, Australia el 5 de diciembre de 1791 y fue enterrado en una fosa común junto a otros doce cadáveres, por ello durante mucho tiempo nadie sabía donde se hallaba su cuerpo. Sin duda su muerte fue una de las más duras para la historia de la música.
Análisis
Debo decir, que de todas las piezas musicales anteriores, esta es mi favorita, Mozart es fue un genio de la música, que logra expresar con su música, especialmente con esta obra y el primer movimiento mucha dulzura y alegría. Lo que trata de imitar el sonido de los jenízaros turcos, que era la música de moda en ese momento.
Esta pieza es muy sencilla, tiene justamente las características de la música del periodo clásico, ya que es brillante, simple y alegre. Y el ritmo es tranquilo, no es explosivo como en el caso de los autores mencionados anteriormente, lo que provoca calma, se podría pensar que con mencionar que la pieza de Mozart es tranquila es aburrida, pero para mí representa todo lo contrario , porque a pesar de que no cambia tan drásticamente la intención musical, no pierde la alegría y brillantez que predominan.
Y finalmente el último movimiento, ya es un allegro, que seguramente es la parte que hemos escuchado un mayor número de veces, como se puede notar la diferencia es mucho más rápida que el resto, y obviamente para dar un buen final, este tiene que ser excepcional, y Mozart no se equivocó en eso. Este final da la sensación de una marcha rápida, por la velocidad que es utilizada da la sensación de que el tiempo corre. Y bueno en definitiva esta obra es alegre y puede animar mucho, yo la recomiendo, además qde que es una de mis favoritas.
Fueron continuados por Ludwing Van Beethoven, quien representa la transición entre el clasicismo y las primeras manifestaciones del Romanticismo en el siglo XIX.
Los compositores se expresaban a través de las obras instrumentales, pero para llegar a ser autores de una obra se necesita, un proceso de creación. Para llegar a crear esas hermosas piezas musicales se necesitaba una experimentación.
Características musicales
- La
palabra clásico se aplica a las diversas obras que han trascendido a través
del tiempo y que los hombres han llegado a considerar como obras
modelo.
- En
este periodo se trata de expresar una realidad perfecta evocando ciertos
patrones tanto filosóficos como estéticos realizados en la Grecia antigua,
es decir, que se trata de dejar ver un mundo bello, tranquilo e ideal,
como una utopía.
- Se
tiende a dar más forma a las cosas, que es lo que refleja la perfección,
el contenido, o la ideología.
- Se busca una música delicada, alegre y bella.
Estas melodías se construyen con frases de ocho compases (divididas en dos
periodos de cuatro y cuatro) de dieciséis (dos periodos de ocho)
o de seis( dos periodos de tres).
- Se usan mayormente tonalidades fáciles y
simples de tonos mayores.
- Sus piezas principales son la Sonata y la
sinfonía.
- El ideal de el arte de esta época es crear
algo puro y bello. Con una simpleza que simboliza al hombre armónico.
- Lo más importante es que con la Revolución
Francesa, la música llega a una mayor cantidad de personas europeas que
comenzarán a valorar más las piezas musicales.
Formas musicales
Sonata
Sonata
Surge del italiano suonare, que
significa sonar. Es una composición musical para un solo instrumento, que por
lo general es el piano; o dos, piano y violín. Si esta pieza es fácil de
interpretar recibe el nombre de sonatina Desde mediados del
siglo XVIII este término es utilizado para las obras de tres o cuatro
movimientos para uno o dos instrumentos.
- Primer movimiento: Allemanda o Allegro,
que tiene un ritmo rápido, contiene dos melodías bien definidas o
distintas entre sí.
- Segundo movimiento: Sarabanda, o
también conocida generalmente como Adagio, que es lento, a
diferencia del anterior.
- Tercer movimiento: Courante, scherzo o minueto,
que es un movimiento juguetón.
- Cuarto movimiento: Giga, que es
considerada también como un allegro o rondo,
que igual que el primero es un movimiento rápido.
La sonata alcanza su época de
auge con Haydn, Mozart y Beethoven.
Sinfonía
Es una obra de orquesta, y su estructura es la
misma que la sonata. Suele ser una pieza puramente instrumental, sin embargo
también pueden haber voces. Beethoven fue uno del os primero en incorporar la
voz a una sinfonía en su Oda a la alegría, inspirada en la obra de Schiller.
Una forma de distinguir a una
sinfonía es porque los instrumentos de cuerda predominan en el sonido, como el
violín, la viola, el violonchelo y el contrabajo.
La sinfonía es una obra que ha
logrado trascender hasta nuestros días. Y es que después de Beethoven se ha
enriquecido con los aportes de autores como Schubert, Tchaikovski, Anton
Bruckner, Johannes Brahms, Gustav Mahler, Sergei Rachmaninov, entre otros.
Cantata
Era una representación de música acompañada, por
supuesto, con la voz. Surge más o menos por el siglo XVII junto con la ópera.
La cantata de camera, es le primer tipo de cantata que es conocido. En donde la
voz es de un solista, que canta un texto profano. Y es a finales de este mismo
siglo que la cantata se convierte en una composición para dos o tres voces.
Principalmente era compuesta para iglesias, por eso se le conocía como la
cantata da chiesa (cantata de iglesia).
Entre los autores que más
destacaron por sus obras están Giulio Caccini, Claudio Monteverdi, Jacopo Peri,
Alessandro Scarlatti, Heinrich Schütz, Johann Sebastian Bach y otros
compositores. Algunos hicieron que la cantata evolucionara a una forma un tanto
más elaborada y Bach hizo que de la cantata el centro de sus composiciones
vocales.
Instrumentos
Oboe
Fagot
Clarinete
Corno
Cuerda
Violín
Viola
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Violonchelo
Contrabajo
Madera
Flauta
Oboe
Fagot
Clarinete
Metal
Trompeta
Corno
Cuerda
Violín
Percusión
Timbal
Teclado
Clavecín
Clasicismo
en la pintura
Sabemos que el clasicismo tiene su
origen en Italia, que es el lugar donde surge el clasicismo romano-boloñés.
Principalmente se
dio a conocer entre los eclesiásticos, pues se apartaba de la vulgaridad de la
pintura manierista, al igual que se apartaba de los cultos y la mitología. Los
paisajes que pintaban era serenos, en donde generalmente aparecen ruinas
clásicas. Principalmente el desarrollo de la pintura le perteneció a Francia
Algunos de sus principales exponentes fueron:
Nicolás Poussin, Ludovico Carracci, Guido Reni y Albani.
Clasicismo en la literatura y el teatro
Principalmente se enfoca en el estudio de las obras griegas clásicas que
alcanzaron la excelencia artística. Principalmente los géneros que se
desarrollaron fueron la épica y el teatro (tragedia y comedia).
Los temas a tratar en este tipo de obras eran
generalmente la nobleza y la gloria, el respeto por el destino, la justicia y
sabiduría, moderación y prudencia en todo, realismo y la cosmovisión, que es la
manera de ver el mundo.
Clasicismo en la danza
A finales del siglo XVIII habrá una
serie de cambios para la danza. Se le permitió por primera vez a la mujer
participar en los espectáculos de ballet. La danza igualmente se independizó de la ópera,
a partir de ahí surge la danza clásica, que trataba de explicar historias por
medio de la expresión corporal.
Clasicismo
en la sociedad
Poco a poco la clase burguesa se hace más
importante. Se escriben en este periodo, además, las dos primeras
enciclopedias. Y en parte del ser humano destacan mucho algunos pensamientos,
que son, cosmpolita, el humanismo. la simplicidad y el mecenazgo.
Opinión personal del periodo
Con la llegada del clasicismo, se define un nuevo estilo artístico, no
sólo en el ámbito musical, sino en todas las artes y en la forma de vida de los
europeos de ese entonces.
En cuestión de la música se olvida el exceso de
adornos y complejidad del periodo barroco. Ahora en esta nueva etapa se busca
la sencillez, la armonía y la brillantez de las composiciones musicales. Se
trata de evocar a la idea de la perfección, y la tranquilidad, lo pacífico.
En mi opinión este periodo, así como todos los
demás tiene obras y artistas trascendentales, pero aquí precisamente yo
encuentro una armonía que no hallo en ningún otro periodo, es por eso que me
gusta la época clásica. Pues varios de los mejores músicos, desde mi
perspectiva, se encuentran aquí, y que precisamente ellos fueron quienes
aportaron mucho al campo de la ópera y las sinfonías, así como su estructura.
Referencias
